演目図鑑WEB版「HITOTSU」[後編]

6月9日よりツアーが始まった、鼓童特別公演2018「道」。
浅草公会堂での5日間の連続公演まで、おかげさまで大好評のうちに終了いたしました。
ツアーの後半は、一部キャストを入れ替えて7月半ばより再開。関東、東北、北海道方面にお伺いいたします。

機関誌『鼓童』でおなじみのコーナー「演目図鑑」のWEB版として、この「道」公演で22年ぶりに演奏している「HITOTSU」をとりあげ、2回にわたってご紹介しています。

[前編]を読む

狩野泰一(作曲)が語る「HITOTSU」の誕生と
船橋裕一郎(演出担当)の「HITOTSU」への思い

聞き手:坂本実紀/構成:本間康子(機関誌編集部)

【「HITOTSU」が再演されることについて】

(狩野泰一:以下狩野)私も、よもや「HITOTSU」を後輩たちがやってくれる日が来るなんて思っていなかったから、もう、めちゃめちゃビックリで本当に、本当にうれしいですね。

今まで鼓童でも歴代色んな方々が色んな要素を入れて曲を作ってきたと思うんだけど、「HITOTSU」の表現とか、楽器群はまた独特だと思うんだよね。

それに今回は舞なんかも入れたりして、さらに新しい意味付けがされておもしろくなった。観た人があれをどう感じるか、みたいなところも楽しみですね。

「道」公演での「HITOTSU」(浅草公会堂にて)撮影:岡本隆史

撮影:岡本隆史

【「HITOTSU」の誕生】

(狩野)この曲を書いたのは、世界中を旅してアジアで音や楽器、人の雰囲気に懐かしさみたいなものを感じたことがきっかけでした。

チベットや中国などアジアを旅している時に出会った音に、インパクトはあるんだけど、ルーツを感じたり、懐かしさを感じてね。
欧米のクラシック、あるいはジャズやボサノバなどとは全然違う伝わり方をしてくるんですよ。

チベットの奥地で民謡を唄い合ったことがあるんだけど、どこか似ていて、親近感を覚えるんだよね。

お辞儀する感じとか、「まあまあまあ」と言いながら、無理やりお酒を注いで来る感じとか、乾杯をカンペイって言ったりするところとか。

「それは何なんだろう」と考えたんだけど、一つは仏教の伝播と共に声明、お経とか、仏教の法器、宗教のための音を出す道具と一緒に仏教文化が、儒教や各地の文字、言葉、文化も入り混じって日本に伝わってきたからかなと。仏教が、インドで発祥してチベットや中国、韓国に伝わり、仏教音楽がアジアの各地を経由して日本に入ってきた。

だから各地の音楽、文化の要素も日本には入っているわけですよ。
声の出し方、歌の節回しやメロディ、太鼓のリズム、重低音、金属音の低い音、高い音などなど。

中東からアジア全般、顔とか言葉とか考え方も全然違うのに、音楽的なところは、同じような楽器で似たような事をやってるような気がします。
言葉は全く分からなくても、音楽は分かる! 共通点を感じる。

だから、アジアの音楽の根っこが「一つ」につながっているっていう感覚があった

そういう体験から感じた共通点、各地の楽器を繋いで、一つの音楽を作りたいなと。
それでできたのが「HITOTSU」なんです

【「ソーナ」との出会い】

撮影:岡本隆史

(狩野)ソーナに出会ったのは中国を旅してる時だった。

チャイニーズニューイヤーの時、田舎道を歩いていたら、遠くから音楽が聞こえてきた。音に誘われて行ってみると、小屋の中でたくさんの演奏者が蛇の皮の二胡からコントラバスみたいな大きなものまで様々な弦楽器を弾いてた。

その中でソーナとか、中国の明笛(みんてき)とか銅鑼とか、スゴイ音楽が鳴ってて、面白くてずっと窓の外から覗き込んでた。

すると、帽子をかぶったおじいさんに「来い来い、中に入れ」って呼ばれたの。
「ありがとうございます」って入って、漢字で筆談しながら音楽を見せてもらった。

「我音楽家」「楽器有宿」って書いたら持って来いって言われて、ホテルから三味線や笛を持ってきて、津軽じょんがら節を弾いたらバカうけ! 私は中国から日本に伝わった楽器が、400年たったらこうなりました、という里帰りのような気持ちで演奏してた。

その時にそのおじいさんに教えてもらったメロディーがあって、その場で必死で覚えて帰ってきたんだ。今でも忘れられないんだけど、でもなんの曲か分からなかった。

で、ずっと後になってある中国人の前でその曲を吹いたら、「中国の軍歌」だって。日中戦争で中国が日本と戦った時に「日本人を殺せ」っていう、そういう歌だったんだ。

私はそうとは知らずに、その場にいる50人くらいの人と50度以上のお酒を返杯しながらご馳走になって、楽器を通して友達になって、それでその曲を教えてもらったって思ってたから…。
ずっと後になって、そのおじいさんが教えてくれたあの夜を結ぶ記憶が、そういう軍歌だったということが分かったわけ。

「昔は殺し合った時代もあったんだよ」って、おじいさんはそう伝えかったのか…今となっては知る由も無いけど…そういう思い出の中で会った楽器なんだ。
アジアを感じる時、そういう風景、みんなの顔なんかが、浮かんでは消える思い出の一つになってる。

ソーナは、そんな旅の中で出会ったインパクトの強い楽器。

私には当時、鼓童の公演の時、周りが太鼓でドカドカやる中、マイクを使わず笛一本で音を通さなきゃいけないという大変さがあった。

だから、大音響の中でマイクなしで響いてくる楽器、ソーナに出会った時に「これだ!」って。

今度はこれを日本に伝えたい、これを使った曲を書きたいたいって、思ったんだよね。

 

【フリージャズ】

(狩野)「HITOTSU」は心臓の鼓動のように、脈打ち続けていく。

基本ビートがたった一つで、ずっと流れてる。

水が流れて川になって海になるように、「ドンスタッ、タタ、タカタカタカタカ」のリズムが始まったら、変化することも止まることもない。
それがどんどんどんどん大きくなっていく。じりじりじりじりね。

「HITOTSU」は基本ビートが一つで、ルート(根音)も一つ。
サビもなく、転調もなく、音階の変化もない。

そして、「ドンスタッ、タタ、タカタカタカタカ」という基本のリズムにはのらず、間と呼吸と気迫で
「ドン、バシャー!!!!ガガーン!ドンチ、ドンチー!」って、太鼓、シンバル類が叫ぶ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

アジア独特の「おろし(間が詰まっていくリズム)」が炸裂する。
「七五三(7拍・5拍・3拍)」も洒落で入ってくる。大音響でビックリさせて、お洒落じゃないけど(笑)。

決まったリズムを繰り返してグルーヴを作り、そのビートにのってフレーズを叩き、それにメロディーがのり、繰り返すのが、多くの音楽では当たり前になってるけど、全く違う作り方をしたんだ。

でも、基本ビートがないフリージャズだと、多くの方々にとって心地よくない音楽になってしまうかもしれない。

気持ちいい基本ビートが流れ続けて、なんとも言えないインパクトのあるメロディが流れてきたと思ったら、すごい音、フレージングが入ってきて、で、またそのほとぼりが冷めると次のメロディがきて、っていうのを繰り返しながら、全体がだんだんクレシェンドしていく。瞑想と覚醒。

基本のビート、揺るがない鼓動があるからこそ、何やっても許される、アジアのフリージャズなんですよ。

答えは一つじゃない

(船橋)狩野さんには鼓童村での通し稽古を見ていただきましたが、公演では幕や照明が入ることで印象がかなり変わります。

実は、先日、この演目を劇場版の学校公演でやったんですよ。

一度舞台でやって、見てみたいというのもあったし、この曲に関しては子供に寄り添いすぎず、「大人の世界を、あの世界観をみせよう」と、逆に切り替えて持っていきました。

狙い通りというか…中学生シーンとしてましたね(笑)。

学校公演での「HITOTSU」(撮影:鼓童)

(狩野)分かりやすいものをやってあげるのもパフォーマーとして大事なんだけど、逆に訳の分からないものを大の大人が真剣にやって「なんじゃこりゃ」って人の心を動かすのもおもしろいですよね。

なんでか分からないけどイメージだけ残って、音だけグルグル頭ん中で回っちゃって、後からあれはこういう意味だったんだって人が思ったり…そういうのもいいよね。

(船橋)今、ネットで調べればすぐ何でも分かるようだけど、実際、本当は分からないことだらけなはずなので…。すべてに答えがなくてもいいんじゃないかなと思って。

(狩野)この曲は、例えば人間の一生かもしれないし、国ができて滅ぶ、あるいは宇宙が生まれる過程とか、何を想像してもいい。混沌として、なんだか分からないけど「なに?!」って印象が残ればいい。

「HITOTSU」だけでなく、抽象的なアートっていうのはみんなそういう性格を持っている。千人が聴いたらそれぞれが全然違うストーリーを受けとめて、宇宙を感じたり生命を感じたり…全部正解って言うか。

だから、答えは一つじゃないわけです。

【「道」の中での「HITOTSU」】

(船橋)天気とか、雨雲が重くなると憂鬱な気分になってくるじゃないですか。でも重たい気分の中から、光に向かっていくようなイメージを感じました。

「HITOTSU」は聖なるもの、すなわち大太鼓の前の静と動…空間をゆがませた上で、ほこりが立つイメージ。
そして無音の場面を作りたくて、大太鼓の前の静寂で使おうかな…とイメージが浮かんできて。

この曲は、公演の中でも「おっ」という美しいシーンになるんじゃないかと思います。

(狩野)公演、すごい期待してますよ。
こっそりどっかに、観に行きたくなっちゃったな(笑)。

 

 

 

 

(完)

 

狩野泰一(Yasukazu KANO)プロフィール

篠笛奏者 / 篠笛講師 / 音楽プロデューサー

1963年東京生まれ。一橋大学在学中にジャズドラマーとしてライブ活動を開始。1987年「鼓童」に参加し1997年に独立。佐渡島に暮らしながら「篠笛」の新たな音世界を広げて2005年にメジャーデビューし、多くのCD、教則DVD、楽譜集等を出版。これまで世界30カ国で2000回を越える公演をし、笛・祭り文化の再興のため篠笛講習会を全国、世界で展開。NHKテレビ「日本の話芸」テーマ始め、映画、演劇等の音楽プロデュースも手がける。天皇皇后両陛下の御前演奏、ミラノ万博2015出演も務め、東京ドームで空手世界チャンピオン宇佐美里香の演武とコラボ他、香西かおり、サリナ・ジョーンズ、南こうせつ、河村隆一、伊藤君子など多くのア-ティストと共演している。中西圭三、宮本貴奈とのユニット『WA-OTO』も好評。最新作は、2017年リリースのCD『SOUND OF THE WIND』。

鼓童を離れた後も、鼓童の研修生、メンバーへの篠笛の指導を行っている。

「HITOTSU」のほか、鼓童在籍中に「SOBAMA」(1992年CD『回帰』に収録)、「A-SON-JA-O」(1996年CD『いぶき』に収録)などを作曲。

オフィシャルサイト http://yasukazu.com/

 

CD『回帰』は鼓童オンラインストアでご購入いただけます。

 

鼓童特別公演2018「道」全国ツアー

 

公演スケジュール

演目図鑑WEB版「HITOTSU」[前編]

6月9日よりツアーが始まった、鼓童特別公演2018『道』。
「大太鼓」「モノクローム」「三宅」などの鼓童の古典とも言える曲から、出演者による新作まで、幅広いラインナップとなっていますが、その中でも90年代に作られた曲が異彩を放っています。

機関誌『鼓童』でおなじみのコーナー「演目図鑑」のWEB版として、22年ぶりに演奏される「HITOTSU」をとりあげてご紹介いたします。

[演目データ]

  • タイトル:HITOTSU(ひとつ)
  • 作曲:狩野泰一(1992年)
  • 使用楽器:ソーナ、ラグドゥーン(チベットホルン)、ベル、チャイナシンバル、うちわ太鼓、桶太鼓、クンプール、声、平胴大太鼓 など
  • 舞台での演奏歴
    初演:1993年・Gathering公演(東京・オーチャードホール)
    再演:1996年・EC’96「草苅神社能舞台公演」(佐渡・草苅神社)
  • CD『回帰』に収録

船橋裕一郎(演出担当)と狩野泰一(作曲者)が語る
「HITOTSU」の魅力、そして難しさ

聞き手:坂本実紀/構成:本間康子(機関誌編集部)

【「HITOTSU」を「道」公演の演目に選んだ理由は?】

(船橋裕一郎:以下船橋)もともと、ちょっと混とんとした、空間がゆがむような場面なんかがすごく好きで。

僕は、比較的何事もなく大きな挫折がなく、環境が悪かったということもなく育ってきたので、その反面、読む本や観る映画とかは若干癖がつよいものを好むところがあって。
旅先でも、神社や寺に行くのが好きなんですけど、その周りにある猥雑な場所にも引かれるんです。
実際に、かつて遊郭のあった場所など、吉原とかも寺社仏閣の近くにあるじゃないですか。何か「猥雑なところと聖なるところのゆがみ」みたいなものが好きで、そういう世界観を作ってみたいなって。

太鼓は、どれも全部違って、同じ音や響きにはならないんです。それを一つに合わせて気持ちよくする、違うけど認め合って一つになっていくというのは太鼓の魅力でもある。
混沌とした世界だけど、何かみんなが幸せを信じてじゃないけど、一つに向かっていくような世界観を、CD『回帰』で「HITOTSU」を聴いていて感じるんです。

HITOTSU」は鼓童の中でも「これ、鼓童の曲かな」と思ったりするくらい違和感のある曲。いい意味で鼓童っぽくなくて面白い。すごくいい曲だし壮大な曲だなぁと、惹きつけられました。

1993年7月・Gathering公演(東京・オーチャードホール)撮影:岡部好  前列両端で吹いているのがラグドゥーン(チベットホルン)、右端はクンプール(インドネシアのガムラン音楽で使われる楽器)

1996年8月・EC’96(草苅神社能舞台公演)撮影:吉田励

【ダブルリード楽器について】

(船橋)この曲を選んだもう一つの理由に、リード楽器を使いたいというのがありました。

リード楽器は鼓童ではあまり使わないので、篳篥(ひちりき)とか笙(しょう)などを取り入れると面白いかなと考えていたんですが、一昨年、韓国でチャンゴ奏者のキム・ドクスさんと共演した時に、「鼓童はなんでチャルメラ使わないんだ」って言われていたんですよね。

キム・ドクス(金徳洙)氏:1978年に韓国の4種の打楽器によるアンサンブルグループ「サムルノリ」を結成。鼓童とは1989年のECでの初共演以来、1990年(東京)、2000年(佐渡・東京)、2016年(韓国)と共演を重ねている。

確かにチャルメラって音の印象が強くて面白い楽器でもあるし、鼓童でもやってみたいなと思ったら、(HITOTSUで)使っていると。

【日本では耳慣れないダブルリード楽器「ソーナ」とは?】

(狩野泰一:以下狩野)日本人はダブルリードの音があまり好きじゃなかったのか、伝わっても定着しなかった。雅楽の篳篥(ひちりき)と、あとは屋台の夜鳴きそばのチャルメラぐらいで。

この強烈な音を出す楽器は、韓国ではピリ、中国ではソーナと呼ばれていて、北部と南部でも大きさや音程が違う。形が長いと低い音になり、短いと高い音に、ラッパの部分が大きくなると音が大きくなる。

アジアはもちろん、インドや中東、ヨーロッパでも、名前や形に差はあれど、世界中にあって、音はそんなに変わらないんです。それこそシルクロードの西から東まで伝わって、日本にはポルトガルやスペインの商人が長崎などに持ち込んだ楽器が、チャルメラと呼ばれるようになったけれど、実際にラーメンの屋台で吹かれていたのは、中国のソーナだったらしい。

参考:西岡信雄著『人と神と音 楽器をフィールドワークする』

野外でドカドカ太鼓を叩いてる中でも負けない大きな音が出せるから、メインになれる大事なメロディ楽器なんです。日本ではそういう音に出会わないから、中国でソーナの音を聞いた時はびっくりしました。「なんじゃこりゃ!」って。

自分がいた頃、鼓童はまったく音響を使わなかったので、何千人のホールでたくさんの太鼓が鳴っている中、篠笛一本でマイク無しに聞かせなければならなかった。だから、「この楽器で曲を作りたい!」って思ったんです。

【そもそもダブルリードって?】

(船橋)簡単に言ってしまえば、葦の丸いのを、つぶして金属で巻いているだけなんです。ストローをこれくらいの大きさにちょっと切って、先をちょんちょんって潰してビーって吹くイメージですね。
でもこれが命なんです。これが鳴るかどうか。

(狩野)葦のリードを慎重に削って削って、火でちょっと炙ったりして、うまく振動するように作るのにものすごく時間がかかるんです。リードが上手にできた時だけいい音が出るんだけど、乾燥しすぎると開いちゃって音が出なくなっちゃうし、逆に湿りすぎるとペタッてくっついて音が出なくなっちゃうんですよ。

シングルリード(サックスとかクラリネットなど)と違って、ソーナみたいなダブルリード(オーボエ、ファゴット、篳篥など)は特にそこがめちゃくちゃ大変。いいリードができたと思ったら、ピリッと破けたりしてすぐに使えなくなったり。

とても繊細だから、ソーナを使う時はすぐ使える調子いいリードを何枚も用意しておかなければならない。でも、質のいいリードはなかなか手に入らないんだ。だから、この楽曲を作る時に世界中を歩いて中国やロンドンの専門店なんかで僕が買い集めた本当に質のいいリードを、今回全部鼓童に持って行ったんだよ。中国で探し求めたいろんな種類のソーナ、ネパールから持ち帰ったラグドゥーン(チベットホルン)と一緒にね。

【演者を悩ませるダブルリード楽器の難しさとは?】

1993年Gathering公演(東京・オーチャードホール)緋毛氈の右端でソーナを吹く狩野泰一さん[撮影:坂口正光]

(狩野)実際やってみて、難しいと思う。特に音程のコントロールが難しい楽器なんですよ。定まりにくい音程を、無理やり作り上げなければいけないようなところがあって。

レコーディングの時は、自分の音と周りの音を、ヘッドフォンでバランスを取って聞きながら吹けるけど、舞台だと周りの太鼓の音が大きくなるとベースのクンプールが聞こえなくなっちゃうんです。自分の音も大き過ぎて、音程がよく分からなくなってくる。本当に大変だから、もうダブルリード楽器だけはやりたくない(笑)。

私は鼓童時代、笛、津軽三味線、尺八、和太鼓をやっていたので結構舞台に出っぱなしで、オーチャードホール(1993年「ギャザリング」公演)で「HITOTSU」をやった時も、直前の演目にも出演していたんです。で、いざソーナを吹こうと思ったら、舞台袖に置いといたソーナのリードが乾燥してしまって。

もちろんそれを懸念していたし、リハーサルではちゃんと吹けたんだけど、本番は照明もあるし、温度、湿度も変わっていて…で、一生懸命舐めて、一生懸命吹いたけど思う音が出せないという、悔しい思いをしました。

だから、次の日は教訓を生かして、リードが乾燥しないようにビニール袋を被せておいたの。そしたら今度は湿りすぎちゃって。張り付いちゃって音がでない。僕にとってはダブルリードは悪夢の思い出(笑)。

だから今回「HITOTSU」をみんながやってくれるのはすごく嬉しい。最大限の協力をするから、僕が失敗したことを踏み台にして、完成して欲しいんだ! 長い歴史を経て世界各地に伝播した、太鼓、シンバル、ダブルリード、ラッパが膨張し、炸裂してHITOTSUになるアイデアはいいと信じているから。

【元鼓童メンバーの曲を今のメンバーで演奏してみて】

(船橋)泰一さんの曲を使いたいと言ったら、すごく喜んでくれました。

(狩野)「HITOTSU」を鼓童の後輩達がやってくれるなんて、思いもよらなかったからね。

狩野さんが持っているのが「ソーナ」。そして船橋が持っているCD『回帰』に「HITOTSU」が収録されている。

(船橋)鼓童を離れても、思いを持ってくださる人や関わってくれる方がいるのはすごく貴重なことなので。鼓童があり続けるのは、やっぱり色々な人が関わっていただいて、お互いによろこびや楽しみを分かち合えると。
曲を通して恩返しじゃないですけど、またこうして直接に教えをいただける関係ができるのは嬉しいです。

(後編に続く)

 

CD『回帰』は鼓童オンラインストアでご購入いただけます。

 

鼓童特別公演2018「道」全国ツアー

 

公演スケジュール

「初音ミク×鼓童」スペシャルライブレポート/伊達なつめ(演劇ジャーナリスト)

Photo: Maiko Miyagawa

昨年大好評を博した This is NIPPON プレミアムシアター「初音ミク×鼓童」のスペシャルライブが、グレードアップして帰ってきた。会場のNHKホールは、衿に「初音」「鼓童」と名前の入ったライブ・ハッピを着た人たちでいっぱい。

Photo: Maiko Miyagawa

オープニングとともに地鳴りのような歓声が起き、オールスタンディングとなった客席に、いっせいに太鼓型ペンライトの光が揺れ出した。

Photo: Maiko Miyagawa

(※6/1 リハーサル写真)

「去年はにぎやかな曲と穏やかな曲を交互に入れていたんですが、今年はミクさん側からの『もっとアゲアゲで!』というリクエストで、体力的にもハードな曲が続くんです」と選曲担当の石塚充が言うように、ミクのナンバーを太鼓と鳴物で盛り上げ、リン・レンのデュエットでは、鳴物担当が彼らのダンスを完コピして一緒に踊り、『三宅』『巴』など鼓童の大曲では、3~4分ずつにまとめた濃縮ハイライト版を惜しげもなく演奏と、大忙しのフル稼働。

Photo: Maiko MiyagawaPhoto: Maiko MiyagawaPhoto: Maiko Miyagawa驚いたのは、こうした鼓童の緩急に富む複雑なビートを刻む楽曲にも、観客が手拍子やかけ声で、しっかり伴走してみせること。

 

Photo: Maiko Miyagawa

今年初参加の住吉佑太は、
「ミク・ファンは音楽が好きで、曲を聴きに来ている人が多い感じがしますね。こちらが何を振ってもついてきてくれるので、もう”闘い”みたいにテンションが上がって、すごく楽しいです。『巡』では、前の方のお客さん、めっちゃ踊ってくれてましたし(笑)」と、今秋の新作舞台にも、十分な手応えを感じた様子。

Photo: Maiko Miyagawa

「巡 -MEGURU-」(※6/1 リハーサル写真)

フィナーレでいったん幕が閉まると「コドオ・ミーク」「コドオ・ミーク」のアンコール大合唱。コラボ2度目にして、ミクはもちろん、ミク・ファンと鼓童も、ガチで相思相愛の関係になったことを確認できた。

文:伊達なつめ(演劇ジャーナリスト)

▼今回演奏の「巡 -MEGURU-」MVはこちら

This is NIPPON プレミアムシアター「初音ミク×鼓童 スペシャルライブ2018」

【動画あり】「鼓童佐渡宿根木公演 2018」メンバーコメント到着!

7年目を迎えるゴールデンウィークの連続公演。昔懐かしい町並みに佇むかつての芝居小屋「宿根木公会堂」で、名誉団員をはじめベテランから若手まで、更に鼓童研修生が加わり織り成す、年に一度の特別な舞台です。鼓童公演とともに、春の佐渡をどうぞお楽しみください。

演出の見留知弘よりコメント到着!

皆様いかがお過ごしでしょうか?
7年目を迎えます、鼓童・佐渡宿根木公演、今年もゴールデンウィークに開催いたします!

今年の見所としましては、藤本吉利と宿根木公演初出演の草洋介が、ダブルキャストにて岩崎鬼剣舞の一人加護をご披露いたします。

そして幅広い出演者!
鼓童の創成期からの名誉団員を始め、メンバー、新準メンバー、そして宿根木公演ならではの、研修生2年生の出演もあります。

新しい試みも準備に入っており、宿根木公会堂の芝居小屋の趣、ここでしか見られない公演となっています。

ぜひ佐渡島内の方も、島外の方も、はたまた海外からのお客様も、鼓童の本拠地、佐渡市小木地区にある宿根木公会堂にてお待ち申し上げております!

出演する鼓童メンバーの意気込みを動画でご紹介!

 

「鼓童佐渡宿根木公演」公演詳細
https://www.kodo.or.jp/performance/performance_kodo/6819

ニューヨークの観客の熱狂に 国も民族も超越した芸術の光を見た/小説家 真山 仁

ニューヨークの観客の熱狂に
国も民族も超越した芸術の光を見た

小説家 真山 仁

2017年1月から3月まで全米22都市29公演を行った「打男DADAN」のアメリカ初公演は、大盛況の内に終わった。そのツアーの目玉と言えるニューヨークBAM公演を振り返る。

現代芸術の聖地であるニューヨークにあって、ブルックリンのBAM(Brooklyn Academy of Music)は、次世代をリードをする芸術、アーティストが発見できる場所として知られる。

フォート・グリーンというブルックリン最北部に位置する地区にあるBAMは、ヨーロッパの劇場を思わせる白亜の建物で、教会のステンドグラスを思わせるアーチ型の大きな窓が印象的だ。


このところ、ブルックリンは再開発が進み、リバーサイドは新興高級住宅街としてマンハッタン並みのコンドミニアムが立ち並ぶ。そんな中、BAMがある一帯は、どこか時間を超越した雰囲気を保ち、まさにアメリカの芸術文化を牽引する風格を感じさせる。

鼓童は、既に2年前に「神秘」で初登場を果たし、大好評だった。

BAMで20年間総支配人を務めるジョー・メリロ(Joseph V.Melillo)氏は、「大ファンだった玉三郎がどんな演出をするのかと注目していたが、想像以上の素晴らしい作品で、さらにファンになった。近年、彼ほどシアトリカル(演劇的なという意味だが、メリロ氏が言いたかったのは、劇場空間を熟知した演劇的醍醐味の極意という意味)な世界観を持つ演出家に会ったことがない」と当時を振り返った。

今回は、鼓童の若手の男性メンバーで構成され、よりエネルギッシュかつ先鋭的な演奏を目指す「打男」が登場するとあって、公演が待ち遠しかったと期待を膨らませた。

若さと魅せる舞台で
鼓童の可能性を広げた集団の今が幕を開ける

「打男」初演(撮影:田中文太郎)

「打男」が初演されたのは、2009年だ。後に鼓童の芸術監督に就任する玉三郎が、初演から演出を手がけた。東京・世田谷パブリックシアターでの初演は、漲る情熱を余すことなく放出しながらも、同時に魅せる舞台の工夫が随所にある画期的なステージだった。

これが玉三郎が鼓童という太鼓芸能集団において目指そうとしている方向性なのかと思ったのを覚えている。

その初演以来、8年ぶりとなる舞台を、まさかニューヨークで観るとは思っていなかった。しかも、北米ツアーの折り返し点の時期での公演だけに、メンバーがアメリカ各地でどんな手応えと刺激を手にしたのかを感じ取れる場としても期待した。

その一方で、鼓童の正規公演と異なり「打男」は、メンバーがどんどん〝卒業〞していく。実際、初演を経験しているのは、14人中坂本雅幸、一人だけだ。

坂本雅幸

「僕自身も、北米ツアーが決まる直前に呼ばれて急遽参加することになった。初演の時は、先輩に着いていこうと思って必死だが、いつのまにか自分が牽引する側になって、まったく別の気分で臨んだ」

ニューヨーク公演終演後、坂本がそう振り返るように、同じメンバーで作品を磨き上げていくのではなく、先輩たちが辿ってきた軌跡を若手が作品を通じて吸収し、その時その時の新しさを披露しているというスタイルも、鼓童には珍しいユニークな舞台だった。

連日満員に近い観客を集め、開演前から舞台に期待する観客のムードが高まる中、ステージは始まった。

いきなり時間と場所を忘我する
舞台上の世界に引きずり込まれた

BAMの観客は、厳しいと言われる。公演中でも、観る価値なしと判断すると席を立つという光景も珍しくない。

そんな中、観客の多くは、食い入るように舞台を見つめているのが印象的だった。

8年という歳月を経て、作品にも様々な創意工夫が加えられていた。

例えば冒頭の演目は、初演時にはなかった。だが、その演目によって、観客はニューヨークという場所と、現代という時間を超越した特別な時空にタイムスリップする――。これこそが、玉三郎が目指すシアトリカルな舞台の幕開けにふさわしい。

それを観た時に、「打男」は常に玉三郎が鼓童で目指そうとした世界観の実験場であり、それが昇華された上で、本公演に生かされてきたのだという実感を持った。

シアトリカルな舞台と簡単に言うが、様式的に作り込むことはさして難しくはない。だが、観客が、時空を飛んで一気に舞台上の世界に引っ張り込まれるような作品を創造するのは至難の業だ。

そのためには劇場空間という密室の特質を理解し、舞台に立つ者それぞれの気持ちと肉体が、創造的なパフォーマンスをする必要があるからだ。

だが、「打男」はまだまだ成長過程の若者たちの集団だ。若さと情熱はあるが、人間的な奥行きや胸に秘めた思いや感情を創造的に表現する経験値が足りない。

なのに、「打男」のステージはシアトリカルなのだ。

それは、演出家が、若いアーティストが持つ資質を見抜いた上で、それを引き出すための術を知っているからに他ならない。

すなわち、時に演奏者にはそれがどのように舞台上から放たれているのかを正確に把握できていなくても、玉三郎の指示を愚直に守り、そこに情熱と若さをぶつけることで化学反応が起き、シアトリカルな世界観が出現したのだ。

素晴らしい打楽器パフォーマンスだから
BAMの観客は熱狂した

玉三郎は、鼓童の芸術監督を続けていく上で、「和太鼓奏者ではなく、打楽器の演奏家として、世界のどこでも通用するアーティストを目指して欲しい」とメンバーに訴え続けた。

「打男」でも、それは徹底されていた。

そのため、伝統芸能としての和太鼓演奏を観客が期待したのであれば、違和感を抱いたかも知れない。

しかし、BAMに集う観客は熱狂した。ライブが進むにつれて、そのボルテージは上がり、フィナーレでは、劇場の観客の全てがスタンディング・オベーションで称えた。

終演後の観客の声を聞いて驚いたのは、和太鼓ファンだから来たと言うよりは、BAMが面白そうな公演をやるので見に来たら、衝撃を受けたと話す人が多かったことだ。

あきらかに日本とは集まった観客の層が違うのだ。

日本では、太鼓ライブは観客も和太鼓ファンが多い。したがって、お決まりの演目が必要だし、それを承知の上で意外性や衝撃を生む必要もある。

しかし、BAMの観客は、そんな小さなカテゴリーの中で「打男」を観ていない。彼らは、ただ素晴らしい打楽器パフォーマンスに感動し、「さすがBAMが選んだだけはある!」と膝を打ち、日本には面白いアーティスト集団「鼓童」がいると記憶しただろう。

和太鼓を披露するのではなく、素晴らしい打楽器ライブを堪能してもらう。それに観客が刺激を受け、劇場に熱狂の風が渦巻く――。まさに、それこそが芸術ではないか。

何度も喝采を受けた若き奏者たちの顔は、本当に晴れ晴れと輝いていた。

自分たちの演奏の手応えを強く感じただけでなく、芸術はかくもあっさりと国や民族の壁を超えて、共感が広がっていくのかを肌で感じ取れたからに違いない。

終演後、ジョーに感想を聞いた。

「言葉は不要だろ」

そう言ってウインクしたBAMの主の目は少年のように輝いて見えた。


▼「打男 2017」国内ツアー 2017年10月〜12月

「打男 DADAN 2017」日本ツアー


真山 仁 JIN MAYAMA
小説家。1962年大阪府生まれ。同志社大学法学部卒業。新聞記者、フリーライターを経て、2004年『ハゲタカ』でデビュー。2007年に『ハゲタカ』『ハゲタカⅡ』を原作としたNHK土曜ドラマが放送され、反響を呼ぶ。経済、政治、農業、エネルギー、震災など、現代社会が抱える問題に光を当てた作品多数。近著に『そして、星の輝く夜がくる』『売国』『バラ色の未来』『標的』など。鼓童の芸術監督を務めた坂東玉三郎との交流は20年以上に及ぶ。

【DATA】
「打男 DADAN」 ニューヨーク公演

2017年3月1日〜4日
会場:ブルックリン・アカデミー・オブ ミュージック(BAM)

撮影:岡本隆史