「モノプリズム」指揮：下野竜也、管弦楽：東京交響楽団／ミューザ川崎、2021年（写真：岡本隆史）

誕生の経緯
日本のクラシック界に邦楽器を取り入れた作品が発表されだした1970年代に、鼓童の前身である「佐渡の國 鬼太鼓座」の代表、田 耕氏は数名の作曲家に作品を委嘱を打診していた。
石井眞木氏との出会いは1975年。アメリカ、ボストンで鬼太鼓座の演奏をご覧になった指揮者・小澤征爾氏が「これなら石井眞木さんだ」と紹介してくださった。佐渡の稽古場を訪れた石井氏は、「はじめて太鼓を聴かせてもらってもうビックリしてさ。僕が今まで出会ってきた音楽とは違う、音楽における全く新しい要素があると思った訳よ。」と、まず和太鼓のみの『モノクローム』の譜面が完成。その楽譜において石井氏から要求された音のために、打楽器奏者の山口泰範氏のアドヴァイスを受けながら締太鼓の様々な奏法・音色を生み出し、結果的に太鼓の表現力を大きく広げた画期的な作品となった。

ボストン・シンフォニーホールで「佐渡の國 鬼太鼓座」の公演を観る小澤征爾氏（右はアイザック・スターン氏）1975年。

翌1976年、その新たな和太鼓の表現とオーケストラの響きを融合させて『モノプリズム』が作曲される。タイトルは、日本太鼓の単色＝モノクロームと、オーケストラのプリズムの合成語で、それぞれの音楽の特徴を象徴している。

西洋音楽は1950年代以来、頭だけで主知的に何かを理解して音楽するという方向に進み、公衆を逃し始めていて、その時僕も西洋以外の民族の音楽に大きな関心がでてきた。日本の太鼓は昔からただ打つだけ。打ち続けることによって、そこに一種の忘我の世界が形成される。別な言葉で言えば、西洋音楽は、外へ外へという遠心性。それに対して日本の太鼓は求心性を持ち、人間の全身に作用するような種類の音楽。この曲で東洋の考え方と、西欧的オーケストラの多様な世界を対決させると同時に融合させて、新しい世界を切り拓きたかった。そして21世紀に向けて、音楽とはいったい何か？と問いたかった。（石井眞木）

佐渡・大小の旧稽古場での「モノプリズム」稽古。右奥が石井氏。1980年代後半。

「天籟」を聴く境地

当時の石井氏の作曲のコンセプトに、『世の中の音は「人籟（じんらい）」と「地籟（ちらい）」の二つがあり、それを超えたところに「天籟（てんらい）」というものがある』という中国の荘子の言葉があった。「人籟」とは人間が出す音。「地籟」とは自然の生み出す音。「天籟」は、この二つを成立させるような根源的な力、大自然の響きをいう。和太鼓も人間の出す音ではあるが、打ち込んで打ち込んで極限まで叩き続けた時、それはいつしか人間の行為から出た音ではないというところまで、自然の響きへと変換する。石井氏は和太鼓を「地籟」、オーケストラを「人籟」と位置づけ、その二つを融合させることによって、「天籟」を聴く境地を創造した。

「モノプリズム」指揮：下野竜也、管弦楽：新日本フィルハーモニー交響楽団／すみだトリフォニー、2008年

曲の構成
第1部「序」の冒頭弱音は、全体のオーケストラ音響を象徴し、アジアに伝わる響き、リズムを誘導する。響きの層の起伏は、連続と非連続の内に、日本太鼓の登場を意味する。
第2部「モノプリズム」の日本太鼓の最弱音は、東洋の太鼓伝統への挑戦を象徴している。可聴限界（ピアニシシシモ）の静寂から始まり、やがて雷鳴のような響きへと変化する太鼓群。最強音の連打に時は静止し、新しい響きが生じる。太鼓の凝固する時、堆積する響き、それをオーケストラ音塊が断ち切ろうとする。（CD「モノプリズム」石井眞木氏の解説より）

オペラハウス、リハーサル室（西ベルリン）（1984年5月）

鼓童メンバーより
稽古の時、太鼓独特の肉体を通しての表現についてはむろんのこと、日本人ならではの感性というものを非常に重要視され、その指示は細部に渡りました。ある時などは「そのトレモロは松籟（しょうらい）のように」と言われ、要領を得ない僕たちを庭の松の木の下まで引き連れ「これが松籟だよ」と、松の葉が風に揺らぐ音にみんなで耳を傾けたのを思い出します。（山口幹文）

石井眞木（1936〜2003） 日本のモダン・ダンス、舞踏の草分けである舞踏家、故・石井漠の三男として東京で生まれる。東京で作曲を学んだ後、1958年に渡独し、ベルリン音楽大学作曲家に在籍、1962年に帰国。1969年、西ベルリン市の「芸術家プログラム」の招きで再渡独。以来、ベルリン・東京の二都を本拠に、作曲家・指揮者として精力的に活動を展開する。 1960年代後半に日本の伝統音楽に着目して以来、西欧的技法と日本の伝統音楽の要素による「二つの音世界からの創造」を命題に、感性豊かな独自の作品を内外で数多く発表してきた。鼓童はこれまでに「モノクローム」、「モノプリズム」、「入破（1981年初演）」、「輝夜姫（1984年初演）」を演奏している。 主な受賞歴：「尾高賞」、「中島健蔵音楽賞・大賞」、「ドイツ批評家賞」、「京都音楽賞大賞」、「日本伝統文化振興賞」など多数。1999年秋には「紫綬褒章」を受章。2003年逝去。

（月刊「鼓童」2008年11月号の記事に一部加筆しました）

2026年9月5日（土）鼓童創立45周年記念公演 鼓童×東京フィルハーモニー交響楽団「モノプリズム」（東京都文京区）

曲の成り立ち

住吉は2014年、韓国の現代音楽である「サムルノリ」にハマっていた。惹かれたのは、自国のリズムで組み合わせたアンサンブルを演奏する姿。そこからインスパイアされ、「和製サムルノリ」をやりたいと生まれたのが「一六囃子」だ。基本となる4人構成は四物（サムル）から、サムルノリの「アンジュッパン」という「座って演奏する」スタイルも取り入れた。　

　「一六囃子」のベースは、日本各地の郷土芸能の囃子に触発されたグルーヴだ。そのグルーヴを一人が奏で、他のみんなが即興で演奏する曲となっている。

「全世界の人に『とにかくかっこいいリズム』と思ってほしい。そこからよくよく聞くと日本の郷土芸能がベースになっていることを再発見してくれると嬉しいです」（住吉）

　タイトルは、数字をいれた。賽の目の数字から運任せの冒険的な物事をすることの意味を持つ「一六」をあてている。

https://youtube.com/shorts/bJk_tA2kt0U?feature=shared

曲の構成と変遷

「一六囃子」が2014年のECで初演された当時はもう少し長かったが、学校公演で子どもたちを飽きさせないようにアレンジした構成が曲の雰囲気にハマり、今の基本形となった。

初演時の写真（アース・セレブレーション2014）

　住吉の創る曲は、曲の核となる部分を強く持つ半面、他の部分は自由度が高くなるものが多い。「一六囃子」はそのなかでも最たるものと言える。曲の入口と出口は大まかに決まっているが、その道中のアレンジ、即興は毎回異なる。

　2018年の「巡」公演では、イントロからマリンバが入り、最後は太鼓が増える演出があった。2021年6月の浅草公演「歩」では、小野田太陽のアイデンティティでもあるアメリカ太鼓文化に根付く「斜め打ち」を取り入れた。

　同年11月の「巴」公演では、佐渡の鬼太鼓のフレーズが入り、舞に合わせて音楽も高揚していくように組み合わせた。

「2022年に大阪の冬祭で演奏した時は、健太さんが一番低音のパートを担当していたんですが、途中から床をたたきはじめて、すごくスカッとした音になったのも新鮮でした。他にも、自分たちで何とかここに戻ってくることだけを決めて、旅に出て行くようなイメージで自由に即興で演奏したこともあります。それぐらい自由度の高い曲なんです」（住吉）

　お囃子を取り入れつつ、決まったループ以外は基本的に即興をベースとするこの曲は、打ち手が変わると変幻自在に変わる曲でもある。

「ロサンゼルスの太鼓チームと一緒に演奏したときは、ベースはこっちで叩いていくから、ノッてくれればいいと伝えました。初めて出会う日本のトラディショナルなリズムを、みんな面白がってすごく喜んでくれました」（住吉）

　最近では、2023年そして2024年のEC、城山パークセッションに出演しているパーカッショニストBen Aylon（ベン・アイロン）氏から教えてもらったセネガルのトラディショナルなリズムも一六囃子に取り入れられることに気が付いた。

「たたいてみると韓国フィモリのリズムと、セネガルのバラクという「ん」から始まるリズムは根底にあるグルーヴ感が一緒だったんです。国ごとで表面的なリズムやフレーズは違っても、根幹にあるグルーヴ感が一緒なのに気づいて『いろんな国が混ざれるな』って思えました。この共通の、独特な土臭いグルーヴ感は、西洋音楽のアプローチでは、いつまでたってもたどり着けません。だからこそ『一六囃子』では、人類共通の土臭いグルーヴ感、民族的かっこよさを打ち出したい。この曲は、そんな根っこがあるからこそ、いい意味で自由で何でもできる曲に育っていて、僕自身、すごくおもしろがっている曲でもあります」（住吉）

一六囃子（山踏み Ver.）

2024年11〜12月に「山踏み」で披露された一六囃子のアレンジは、5種の楽器を取り入れ、7名の演奏者で披露された。普段4人で演奏される一六囃子のこのアレンジは、公演前のレコーディングで録った音がきっかけで生まれたという。

「一六囃子は演奏者が4人という音のレイヤーが少ない上に、中低音が2人いる特殊なアンサンブルなので、いつもいい意味でスカッとする感じを出そうとしてきました。でも、鼓童選集3に入れるために録音し、一六囃子を音だけで聞いたら、想像よりも寂しい感じがして気になったんです。舞台で演奏する時は、場のアレンジや、グルーヴ感、打感でカバーして盛り上がるのですが、レコーディングをして単体で曲を聞いたときに、もう少し音の厚みを増やしたいなと思い、後から音を足してみました。そしたら、すごくいい感じになったんです。だから山踏みでは、普段の一六囃子と違って演奏者が増えて音の厚みも増やした、ザクザクしたグルーヴ感が出せたと思います」（住吉）

　冒頭は住吉の地元、香川県の芸能、獅子舞のリズムからスタート。そこから「サムチェ」という韓国のグルーヴに鬼太鼓のリズムを掛け合わせ、徳島県の阿波踊りにインスパイアされたビートが流れたかと思うと、島根県の石見神楽のリズムに変化し、そこから韓国のグルーヴ「フィモリ」が入り、最後は再び阿波踊りのグルーヴで演奏された。

　「山踏み」の公演を創る時に住吉がこだわったのは、クリエイションよりも、体に経験値を積むことだった。

「佐渡を歩く時、基本となるサムチェとフィモリという三拍子と四拍子のグルーヴを叩きました。一六囃子や他の楽曲にも、少しづつ、このリズムが侵食してくる様な、にじみ出ていくような舞台にすることを理想として、とにかく歩いたんです。一六囃子は、座って演奏する曲ですが、歩きながら体感しているリズムが体の中に落とし込まれれば、座っていてもそのリズムを出せるようになると思って取り組んだ作品でもあります。だから、山踏みは、普段の舞台とは違い、本当にギリギリまでクリエイションをしない作品でした。実際、公演3ヶ月前にも、まだ一つもできてない状態でも歩くことを優先しました。リハーサルだけでは見えない、培えないものが見えてくるような作品、曲を目指し、とにかく歩いて、経験値をみんなで積んで舞台に立ちました」（住吉）

　山踏みでは、一緒に佐渡を歩いた韓国のチェさんが入ることで「一六囃子」に韓国のグルーヴが加わり、原点回帰的な面白さが生まれた。

チェさんと住吉佑太

「鼓童って、実はあんまり即興をやらない集団なんです。だからこそ今回チェさんと一緒にみんなの即興力を引き出せたことは大きな収穫だったと思います」（住吉）

　2024年の「山踏み」では、理想とする『あらゆる民族的な音楽と通じ合える、地球の音楽』を目指し演奏された一六囃子。今後も、どんなメンバーで、どんな音を奏でるのかが楽しみだ。

「僕自身、すごくおもしろがってる曲でもあります。自分の中には、多面性があるんです。郷土芸能の土着のグルーヴを追求する作曲、アプローチ、そしてもう1個はもうそれを全く排除した『ミチカケ』の様なアプローチ。両方ともすごく好きなんです。僕にはその2本柱が常にあります。山踏みの次はこの二つを混ぜる作品を作りたいなと思っています」（住吉）

2024年11〜12月  鼓童十二月特別公演2024 「山踏み」 新潟、茨城、愛知、大阪、静岡、京都、東京

＜2025年、ビルボードライブ でも「一六囃子」上演！＞
2025年3月27日（木）・29日（土）鼓童 ビルボードライブ（大阪・横浜）
https://www.kodo.or.jp/performance/performance_solo/50979

• 2025.03.27（木） 大阪府大阪市　Billboard Live OSAKA
• 2025.03.29（土） 神奈川県横浜市　Billboard Live YOKOHAMA

演目データ

• 作曲者：住吉佑太　
• 初演：アース・セレブレーション2014
• 原型：「和製サムルノリ」というコンセプトで誕生。低音、高音、鳴り物の楽器を用いて4人で座って演奏する。
• 日本各地の伝統芸能である囃子をベースに組み合わせは自由自在。舞台ごとで囃子や人数、楽器も変わる自由度の高い即興曲。
• 使用楽器（山踏みバージョン）：韻（ひびき）、締獅子、ケンガリ（韓国の楽器）、ジャンガラ、桶太鼓
• 音源収録先『鼓童撰集Ⅲ』（2024年11月23日発売）

日本発の文化として、世界中でもライブを重ねてきた初音ミクと鼓童。共演が実現したスペシャルライブは2017年、2018年そしてコロナ禍でのライブ中止を経て2023年6月「結」として大好評の中、幕を閉じました。

今回は、機関誌『鼓童』でおなじみのコーナー「鼓童コラム」のWEB版として、伝えきれなかったライブの裏話や、ファンとの交流をご紹介します。

●聞き手・文：さかもと みき

初音ミク×鼓童のコラボレーションのきっかけ

━━初音ミクと鼓童が共演するきっかけは何だったのですか？

（北前船 代表取締役社長／洲﨑拓郎：以下洲﨑）2020年の東京オリンピックに向けて、日本のコンテンツを世界に紹介していこうという流れがありました。その中でNHKプロモーションさんより共演のお話を頂き、鼓童としても大変面白いと感じ、初音ミクを展開するクリプトンの方に、お話を持っていきました。

そうしたら意外なことに「やりましょう」とすぐお返事をいただけたんです。

初音ミクも鼓童も、お互い日本の文化を築きながら、海外でもいろいろ活動してるもの同士。なるべくして叶ったコラボレーションだったのかなとも思います。

━━2023年6月、満を持して3回目の公演が叶いましたね。

（洲﨑）オリンピックに向けて3回と決まっていて、2020年に「結」をやる予定でした。しかし、コロナの影響があり、中止せざるを得ませんでした。

でも、鼓童も主催者も、3回目をなんとかやらなければという気持ちを強くもっていたんです。そんな中で今回、開催半年程前に話が改めて立ち上がり、ライブが実現しました。

━━初音ミクとのコラボ自体、鼓童にとっても斬新なチャレンジ企画だったんじゃないですか？

（洲﨑）昔から鼓童を応援してくださる方たちにもポジティブに受け止めてもらいながらも「何というコラボレーションだ！」と、驚かれましたね。

音楽的には、鼓童はアース・セレブレーションで本当にいろんなアーティストの方々と共演させていただいてきています。いわゆるロックやポップミュージックとのコラボレーションとも経験がないわけではなかったので、初回の時も「いけるだろう」と思えたんです。

━━2017年、2018年、そして2023年、初音ミクと鼓童のライブで変化はありましたか？

（鼓童メンバー／平田裕貴：以下平田）僕はその1回目から、鼓童で唯一の皆勤賞で3回とも出させていただきました。しかも、1回目の舞台は僕が鼓童に来て、準メンバーになってからの初舞台だったんです。なかなかできない体験で、本当に印象的な初舞台でした。

舞台では、初音ミクの曲に鼓童が入り、鼓童の曲に初音ミクが入るという形式で曲が展開されます。そこは変わらないんですが、僕が一番感じる変化は、コラボのあり方です。

1回目のときは、意外な組み合わせで混ざらなそうなものが、そんなに混ざっていないけどでも意外とあうじゃん！みたいな。その混ざりきってないのがコラボという感じでオモシロイと感じました。

2回目のときは、お互いに勝手知ったる部分があり、音楽的にもパフォーマンス的にも、こういう感じで来るだろうと想像しながら準備していけたので、1回目よりも混ざってきているコラボの面白さがありましたね。

今回3回目をやって思ったのは、コラボなんですけど、もはや「初音ミク×鼓童」というひとつのチームというか、作品になっているのを感じました。

━━太鼓をたたく 初音ミクに変化はありましたか？

（平田）1回目の公演の時、ミクさんは『千本桜』と『SHAKE』で太鼓をたたいていました。千本桜のモーションでは平胴太鼓を打っていたんです。

今回のテーマ曲『NEPPUU～熱風～』で平胴太鼓を打ってもらいました。ミクさんは6年前はちょっと素人感があったんですが、今回新たに作ったモーションで比べてみると太鼓が上手になっているのも面白かったですね。

『NEPPUU～熱風～』のMVに鼓童モチーフも登場～

━━鼓童がモチーフとして初音ミクの世界に登場していますね。

（平田）MV（ミュージックビデオ）を作るときに、最初のたたき台から「こんな感じになります」と、イラストでの動きを見せていただきました。「要望があれば教えてください」と言っていただいたので、細かいところまで相談させてもらっています。

例えば、鼓童として大事にしている鼓童の半纏の柄、他にも太鼓のロープの締め方も「こっちの方が太鼓をやってる人は共感してもらえると思います」と、僕のマニアックな視点も含め伝えました。そんなわがままを全部反映していただき、鼓童としてもこだわりのMVに仕上がっています。

曲の面では、普段ミクさんの曲ではもう既にバンドで音楽として完成してるものに、さらに太鼓を入れているので、ライブではシンプルに太鼓が聞こえないという課題がありました。でも、『NEPPUU～熱風～』では、作曲者のみきとPさんがそこもいろいろ考えてくれて、バンド、ボーカル、鼓童の太鼓の音もしっかり立つ曲に仕上げてくれています。

━━ライブでも『NEPPUU～熱風～』を筆頭に盛り上がっていましたね

（平田）今回はお互いへの理解がすすんでいるのもあり、演出も、鼓童の見え方も、音響的な鼓童の立ち方も、たくさん配慮していただきました。そういう意味でも、本当に対等にコラボレーションしていただけたと感じています。

初音ミク×鼓童スペシャルライブの一体感

━━会場のお客さんと一体になって盛り上がるライブでは、ノリノリの鼓童メンバーの笑顔が印象的でした。

（平田）すごく愛のある空間ですよね、あの空間。やりながら「これが平和か……」って思いました。

僕らはいつも舞台をお客様と双方向でやってるつもりですが、スタイル的にどうしても客席と舞台を混ぜ過ぎないシーンが多かったりもします。今回改めてミク鼓童をやって、例えば、僕が何かアクションしたらお客様も一緒に踊ってくれる様な一体感を、今後の鼓童の舞台でもできたら面白いなと野望を持ち始めました。

鼓童メンバー内でも初音ミクと鼓童のライブは、「この公演やるなら出たい」のランキングトップだと思います。今回も出たかったけど、他の舞台があったり、2020年に出る予定だったけど、今回出られなくてすごく悔しそうだったメンバーもいたりしましたね。

━━他のインタビューでお話した阿部好江さんも、このライブが終わった後の初音ミクロスがすごかったとおっしゃっていました。

（洲﨑）みんなこの空間がくせになるんですよね。私達も実際にやってみて驚いたのは、音楽的なところじゃない「初音ミクの世界」みたいなところを体感できたことでした。

普段の舞台だと、舞台と客席とわかれているのが、この企画だと舞台がずっと客席の後ろまで続いている様な感覚があります。お客様もみんな出演者なんですよね。

佐渡やNHKホールでのリハーサルで作品の中身はできていくけど、やっぱりこの舞台はお客様が入ってないと完成しないと思います。この企画は他の舞台に比べ、よりそれが強いというか……。

（平田）バーチャルなアーティストって、見ている側は受け取るだけになりそうですが、ミクさんの場合は、お客様が一緒に盛り上げようっていう強い気持ちを感じます。独特の世界観なんです。

スペシャルライブで鼓童が工夫したセットリスト

━━ライブのセットリストはどうやって決まったんですか？

（平田）まずセットリストのたたき台を、初音ミク側のプロデューサーの方が、用意してきてくれます。それをベースにしたセットリストの会議が序盤にありました。

「この曲でいこうと思ってるんだけど」、「これかこれどっちかにしようか迷ってる」などを話す中で、「2017、2018ではこういう流れだったので、この曲よりこっちの方がいいんじゃないですか」など、こちらからもリクエストを出すこともありました。

僕たちの意見もすごい柔軟に入れてくれて、会議の段階からも一緒に作っていった感がすごく強かったです。

今回僕としては、いかに鼓童を「壊していけるか」を考えて挑んでいました。鼓童ファンにも、ミクファンにも「ここにそれをもってくるの!?」って思ってもらいたいなという気持ちがあったんです。

例えば『祭りだヘイカモン』は、結構混沌とした曲なので、ビジュアルをもっとカオスにしたいと思って、バチを投げる弓ヶ浜の太鼓をもとにしたものを取り入れました。

「まだまだ行けるだろう」と思う反面、鼓童のブランドもあるので、ちょっとビビリながら、時々拓郎さん（洲﨑）に「大丈夫ですかね」って相談して……。結果、すごく好き勝手やらせていただきました。

━━テンションのあがる見せ方でしたね。初音ミクの曲でも、鼓童の曲でもお客さんの振りやノリが曲にピッタリ合っていて驚きました。

（平田）『巴』でも『三宅』でも、ライブを経るごとにお客様の曲に合わせる手拍子がだんだん上手くなっていったんです。曲に対してこういった手拍子がおきることは普段の舞台ではあまりないのですごく面白いですよね。一緒にフレーズを覚えてくれるし「そこでそうくる！？」みたいな面白さもあります。

今回、感動したのが1回目2回目で『巴』をやっていて、3回目も『巴』の予定だったんですけど、リクエストもあり急遽3回目最後の公演に『三宅』をやったんです。でもきっとお客さんたちはすごく復習してきてくれているから、『巴』の手拍子の準備をしているだろうなと思っていました。

想定していない曲になっているから「合わせづらくて大変だろうな」と思ったのですが、ふたを開けたらもう……見事にパパっと三宅の方に合わせてくれて……。2018年を覚えててくれた方がたくさんいたのだなと感じ、胸が熱くなりました。

（洲﨑）他にも私が今回一番好きだなと思ったのが、『LION』という獅子躍の感想です。曲を見たお客様が、SNSで踊り手が背負っている「ささら」を「ソフトあたりめ」って書いていた人がいたんです。こちらが予想もしない、そのすごい発想力が大好きでしたね。

（平田）今回は絶対に獅子躍をやりたかったんです！というのも、ミクファンの人たちに見たことないものを見て欲しくて。

特に今回工夫したのは、『LION』という曲に、獅子躍のオリジナルの要素も入れたことでした。あれが出てきた瞬間の客席の皆さんの表情を見て「それを見たかったの！！！」と思いました。

（洲﨑）SNSでも「あれは何だ」って結構話題になっていましたね。

（平田）あれはやってくれた2人のいろんな工夫のおかげです。実は舞台のスペース的にやめといた方がいいんじゃないかっていう意見もありました。

でも、昨年のEC（アース・セレブレーション）でギタリストのMIYAVIさんとご一緒したときに、MIYAVIさんを囲って3人で獅子躍をガンガンやるという舞台を既にやっていたので「いける」と思えました。いろんな出会いと舞台経験が繋がっていきますね。実は今回、担いでやる太鼓のステージングや動き方も、1回、2回目よりも充実させたいという思いがあったんです。そうしたら偶然、その前にMIYAVIさんとご一緒する機会がありました。MIYAVIさんはステージングでかなり走り回ってさまざまなことをやるタイプの方だったので、その経験も今回の公演にすごい活きたなと僕は思ってます。

あと電子和太鼓「TAIKO-1」も今回、バリバリ活躍してくれました。ローランドのデザインの方が直々にミク色の太鼓案を作ってくださったんです。

その太鼓は電子で直接データとして音を出せるものなので、それを利用して、後ろで僕がドンとやった後、その音がトリガーとなりリアルタイムで巴の紋が出せるように映像担当の方が作ってくださって……。

実はそういう、細かい部分でも、いろいろチャレンジしながら作っていったライブでした。ディレクターをする側としては、やりたいことや想いが溢れそうな舞台だからこそ、取り乱しすぎないバランスをとるのが大変でした。

抑えると面白くない、でも取り乱してもダメ。ちょっとこの加減というか、伝え方、コミュニケーションはすごく難しかったですけど、楽しかったです。

初音ミクファンとの舞台以外での交流

━━ 一体感がすごいライブですが、ライブ以外での交流もあるんですか？

（洲﨑）ミクファンの方が鼓童を応援してくれたり、SNS上での交流があったりします。

今回のライブの後にあった浅草公演でも、ロビーでミクファンの方に「NHKホール本当に良かったです」と、声をかけてもらいました。

SNSで「鼓童ヤバい」ってつぶやいてくれた方がいて、それを見て「これは行かないと」と、浅草公演に足を運んでくださった方もいました。そういう繋がりができるのは本当にありがたいですね。

（平田）多かったですね。何でわかるのかというと、アンコールの時だけ客席に緑のあかりがついてるんです。

ミクファンの皆さん、本当に総じて心配りがすごいんです。舞台本編のときは世界観もあるので派手に主張するということはせず、アンコールの時だけミク色のペンライトの明かりを胸の前にこっそりと出してくれていたんです。

━━心遣いを感じますね！

（平田）舞台を見に来てくれるだけじゃなくて、鼓童の単体の公演にお花を贈ってくださったこともありました。

他にも17年のライブの時は、二人のファンの方から手作りの鼓童の半纏を着せたミクさんのぬいぐるみをプレゼントしていただいたこともあります。

しかもその話には続きがあるんです！なんと今回ミクさんぬいぐるみに着せる「パッチと腹掛けを作りました」って持ってきてくださっていました。

━━舞台が進化すると共に、交流も更に深まっているんですね！

（洲﨑）初音ミクのお客様の面白いところは、作り手と、聞き手とがはっきり分かれてないところですよね。音楽を創る人たちが、他のクリエイターの人の音楽も楽しんでいる。

音楽だけじゃなくて、ぬいぐるみをはじめ、絵師、コスプレイヤーを含めたさまざまな聴き手であり、作り手の方がいて、垣根がはっきりわかれてない様なファンたちが集っているという面白さもあるなと感じます。

━━鼓童のハートビートラジオでも、ライブに向けて発信していましたね。

（平田）ライブ前日に公開したんですけど、それもミクファンの方々が瞬く間に聞いてくださいました。今までのハートビートラジオの中でも多くの方に聴いていただけた回になりましたね。

━━ファンとの交流で一番心に残っているのは何ですか？

（平田）ラジオでもお話しした個人的な話になるんですけど、初回に地元鹿児島から僕の初舞台を見におばあちゃんがNHKホールまで見に来てくれました。

で、いざ始まったら熱気もノリもすごくて「もうこれはもう最後まで見れるかな」って思っていたらしいんです。けど、隣の席の人が、ミクファンの方だったらしく「この曲ではペンライトをこういうふうに振ったらいいよ」とか「この曲は落ち着いて見ても大丈夫」とか、「このキャラだったらこの色だよ」みたいなのを教えてくれたおかげで最後まですごく楽しめたっていう話をしてくれたんです。

（洲﨑）舞台上で作品としてコラボしてますけど、客席の中でも、鼓童ファン、ミクファンの交流がすごいたくさん生まれているのをSNSで見られたのもすごい印象に残っていますね。

また、ミクファンの皆さんはうちの様な舞台は見たことない人が多かったと思うんです。だから1回目の公演が始まったあと、SNSでワーッとお客様の反応をリアルタイムで見られるのが面白かったです。

「この演奏はなんだ」「なんだあの楽器は」と、劇場以外のところでコミュニケーションが生まれました。2017年にライブをやってみて、普段では感じられないそんな交流がありうる事を知れたのも、ちょっと新しい経験でした。

（平田）僕は鼓童のX（旧 Twitter）の担当もしてるんですけど、ミクさんファンの皆さんはXユーザーがすごく多いのもあり、今回のライブ前は特に、今までで一番熱い数か月間でした。

この5年間、公演が中止になってしまった後もXのリプライで「予定ないんだと思いますけど、僕ら待ってます」ってくださっている方がいたんです。でも、だんだん期間も空いてしまったし、そのうちこなくなるなと思っていました。

でも……本当にずっと、この5年間、結局絶えることなくそのリクエストがあり続けてくれました。

そして、この間のライブが終わってからも「結びと言わずに、来月でもやってくださいよ」と、メッセージをくれたりしていて、嬉しかったですね。

ライブ発表後、最中、そして終わった後も続いてきた様々な交流。初音ミクと鼓童そしてファンたちは、「またいつか」の思いをもち、今も繋がっています。

再放送決定！
初音ミク×鼓童 スペシャルライブ2023

再放送が決まりました
9月23日(土) BSプレミアムで放送です！

あの感動をもう一度、画面の前で ぜひご覧ください！

2023年9月23日(土) 23:30～ NHK BSP

これまで自分は「奏」という楽器に触れる事が多く、前作の「童」ではソロで演奏する機会を頂きました。
本作品では独奏を元に3人で演奏しています。これまで奏という楽器に触れてきた中で蓄えてきた感覚やリズムを形にした独奏。そしてそれを3人で演奏してみる事によってなんとなくリズムだけではなくハーモニーも感じてもらえるような曲にしたいと思っていました。三者の個性と奏から出てくるさまざまな音色をお楽しみ下さい。

残り２公演！　「ミチカケ」公演会場でお待ちしております！

• 2023.06.03（土） 14:00　群馬県館林市　館林市文化会館カルピス®ホール
• 2023.06.04（日） 15:00　新潟県上越市　上越文化会館大ホール

曲紹介は鼓童機関誌 2023 春号／演目図鑑「ミチカケ」より。

Takashi Okamoto　（2022ツアーより）

「鼓童ワン・アース・ツアー2023〜ミチカケ」日本ツアー

ひとが奏でる音以外にも、ひとが作り上げる音楽以外にも、世界には音が溢れています。

ひとが介在しなくても、音は既にそこにあって、音があるところに音楽は成立しています。

今回は＂自然界を構成する「数」“をぼんやりとテーマにしました。

自分が何かを作り出すというよりも、身の回りの音やリズムを採集し、組み立てをしたという感覚です。聴き方の選択肢が多い楽曲になるといいなと思い、ランダムにも規則的にも捉えることができる構造にしました。

「n」は“Number”や“Nature”に由来しています。

残り２公演！　「ミチカケ」公演会場でお待ちしております！

• 2023.06.03（土） 14:00　群馬県館林市　館林市文化会館カルピス®ホール
• 2023.06.04（日） 15:00　新潟県上越市　上越文化会館大ホール

曲紹介は鼓童機関誌 2023 春号／演目図鑑「ミチカケ」より。
Takashi Okamoto

「鼓童ワン・アース・ツアー2023〜ミチカケ」日本ツアー

「ミチカケ」の創作開始と同時期、NASAからジェイムズ・ウェッブ宇宙望遠鏡の打ち上げが行われていた。遠く離れた佐渡から、私は配信でその快挙を見届けていた。打ち上げは気の遠くなる様な工程数の中のほんの一つで、次の工程はラグランジュポイントを目指すことだった。
大いなる未知を目指して、重力の均衡点（ラグランジュポイント）を探し出していくプロセスは、作曲と似ている。「ミチカケ」に求められる音、自分の作曲、そしてお客様の心。それら全ての一時の均衡点となる曲になれたら本望である。

残り２公演！　「ミチカケ」公演会場でお待ちしております！

• 2023.06.03（土） 14:00　群馬県館林市　館林市文化会館カルピス®ホール
• 2023.06.04（日） 15:00　新潟県上越市　上越文化会館大ホール

曲紹介は鼓童機関誌 2023 春号／演目図鑑「ミチカケ」より。
Takashi Okamoto

「鼓童ワン・アース・ツアー2023〜ミチカケ」日本ツアー

月の満ち欠けと潮の満ち引きをいちばん感じる、それは魚を釣っているときだった。海の中には宇宙にも通じる世界があると思う。音が物語るミチカケの世界観に、肉体が見えてくるような演目になるようにバチの軌道や、体を使わないと打てないフレーズを散りばめた。次世代のパワーヒッターに捧ぐ。

「ミチカケ」公演会場でお待ちしております！

• 2023.05.28（日） 16:00　山梨県韮崎市　東京エレクトロン韮崎文化ホール 大ホール
• 2023.06.03（土） 14:00　群馬県館林市　館林市文化会館カルピス®ホール
• 2023.06.04（日） 15:00　新潟県上越市　上越文化会館大ホール

曲紹介は鼓童機関誌 2023 春号／演目図鑑「ミチカケ」より。
Takashi Okamoto

「鼓童ワン・アース・ツアー2023〜ミチカケ」日本ツアー

photo: 岡本隆史

個々の才能が煌めくエネルギッシュな舞台、さわやかな汗、満面の笑顔、客席への語りかけ、喜びと興奮、そして喝采。ああ、これが長年愛され、世界中のファンを魅了してきた鼓童さん（以下敬称略）の魅力なのだろうと、近年の国内ツアーを見て感じる。それは、私が新曲《鬼》を書き下ろして鼓童と初めて協働した、 NOISM × 鼓童《鬼》（2020-22年 (公財)新潟市芸術文化振興財団委嘱、金森穣氏による振付演出）の舞台とは全く違う、鼓童本来の楽しい舞台なのだが、実は気づいた事がある。《鬼》の直後に制作された新作以来、何か、新鮮かつ異なる深化もしているようなのだ。それは響きや音楽の“間”など、ディテールに聴きとれる。鼓童ファンの皆さんも感じているだろうか。

Noism × Kodo 《Oni》(2024年)
Photo by Yuichi Kayano

本稿では、2026年の国内ツアーで再演される、石井眞木(1936-2003)作曲《モノクローム》（1976年作曲、世界初演 ベルリン)の魅力、同じく再演される筆者の作品《鬼》、そして鼓童への期待などについてお伝えしたい。

さて、鼓童の前身である「佐渡の國 鬼太鼓座」が《モノクローム》(1976)を初演して50年。今の鼓童にとって、この曲はどのように映るのだろう。筆者は作曲者の石井氏に思いを巡らせる。1970年代の半ば、日本の作曲界は高度成長期と共に活発だった。石井氏はドイツと日本を行き来し、欧州で流行した「前衛」を日本に伝える重要な一人だったが、石井氏自身は、いわゆる西洋の前衛とは異なる、原始的な素直さのような何か、そう、“自然現象に近いような作風”を持つ、豪快で異色の作曲家。7名で演奏する《モノクローム》には、その石井氏が50年以上前に鼓童の前身である「鬼太鼓座」に出会って感じた事が、凝縮されているように思えてならない野心作にして快作。ところで当時、「鬼太鼓座」のために作曲されたオリジナル音楽は無かった。それもそのはず、和太鼓をメインとする、地元の民俗芸能継承としてではない新たな方向を目指した団体なのだから。その頃、大雑把に言えば、日に20キロを走り身体を鍛え、とにかく大きな音で太鼓を連打する集団だったそうだ。

《輝夜姫》のリハーサル、奥が石井眞木氏（1983年）

それが、この作品では、殆ど聴こえないような音を、独奏で、締め太鼓の速打ちにより開始、その後、残りの6名が徐々に、全く同じリズム（ユニゾン）の速打ちで重なっていく。そして7名が揃った後に30秒弱かけてフォルテッシシモfffまで徐々に強くなる。ここに石井氏の美学と挑戦を感じる。石井氏のＨＰによると「石井は、彼らにとって全く新しい打法を考案し、その新打法が、彼らの＜血となり肉となる＞までの訓練を要求し実践した。当初の訓練は、いわゆるスパルタ的な厳しいものだった。（中略）まるで仏教の求道者の＜行＞に近いものであった。この成果は、（中略）信じられないような、演奏の異常な＜正確さと力動感＞を獲得することになる。（中略）」

《Oni》の稽古風景、右奥が原田氏（2021年）

ここで、筆者が鼓童に作曲した《鬼》の制作プロセスを思い出した。作曲家 石井氏は、鼓童に特別な訓練を要求したが、その約45年後、筆者の新曲《鬼》の練習に際して、鼓童の演奏メンバー自らが、《鬼》のために“エチュード”なるものを考案し、毎回のリハーサル前に行っていたのだ。理由を尋ねると「こういう曲は初めてなので。音を出す直前の集中を高めるために」旨、初演時のリーダーが冷静に答えた。筆者は感銘を受けた。なぜなら、筆者の音楽の最大の特徴の一つは「予兆」だから、その音を発する直前までの、身体内部のエネルギーのコントロールが極めて大切。鼓童は、初めて協働する作曲家（筆者）の音楽の特徴を、真摯さ、繊細さ、そして直観力で、既につかんでいたのだ。実は筆者が、《鬼》の作曲以前に佐渡の鼓童村を訪ね、目の前で演奏を聴いた時に「これは凄い可能性を持った団体。でもポテンシャルの2割くらいしか使っていないのでは」と感じていた。そして、振付演出の金森氏が「これまでの鼓童さんとは違う何かを聴きたい」と言った。筆者は、’90年代半ばから「何か新しい挑戦をするには、先ず音楽の媒体（演奏家自身）の内部が変わることが必要だ。そうでなければ表面的な音の面白さや技術の披露になりがちで、真の新鮮さが聴き手に届くことは無い」という考えで作曲してきた。それで《鬼》では、鼓童の身体の内部を変えてしまうような、そんな音楽を作りたいと思った。完成の数ヶ月後には、筆者の期待をはるかに上回る演奏に仕上がってきており、《鬼》は作曲者の手を離れ、鼓童の内部に彼らなりの方法で宿った、という感じがしたのだ。こんな嬉しいことは、作曲家の人生でそう頻繁に起こることではない。

《入破》初演時のリハーサル、右端が石井眞木氏（1981年ケルン）
Photo: 富田和明

あっという間に本稿のむすびになるが、前述の石井氏は1981年、鼓童結成時の祝いに作品《入破》を贈り、ＨＰの楽曲解説に次のように書いている

「入破は＜新しい領域＞に入ることを意味し、また「雅楽」では一種の＜変化の形式＞を表している。（中略）新生「鼓童」を祝い、新たな飛翔を希って、それまでに書いた「モノクローム」、「モノプリズム」とは異なる＜太鼓の世界＞を現出させようと意図した。」

《モノクローム》photo:岡本隆史

筆者は、あの日《鬼》“エチュード”の誕生を目撃し、石井氏の思いが、現在の鼓童に継承されていると感じた。いま現在、鼓童の演奏技術は高度に洗練され、例えばヤニス・クセナキスの打楽器曲だって暗譜で演奏できるだろう。しかし筆者は、輝かしい演奏技術を披露するだけの音楽ではなく、今の鼓童の音楽的な身体が、更に深化するような音楽を作ってみたいと思う。歴代の作曲家たちは、同時代を生きる素晴らしい演奏家との出会いによって刺激を受け、良質の音楽を創造するモチベーションを得てきた。目下、AIの時代に入って音楽も随分と変化した。それでも、自らの身体の内部―それは有限で常に変化する―を繊細に感じとり、自らと他者を同時に聴きとることのできる、生身の人間の心によって打ちだされる響きは、AIには真似できないと思う。そして願わくば100年後にも新鮮に響くような音楽を作ってみたいと思う。今後も続く鼓童の深化と“入破”を期待しつつ。

2025年11月16日　東京にて

文・坂本実紀（ライター）

太鼓打ちの腕を浮かび上がらせ、多様な見せ方でミチカケの世界観を広げた新衣裳。

今回は、鼓童代表で衣裳を依頼した船橋裕一郎と、新衣裳を手掛けた堂本教子さんのお二人に、衣裳の誕生秘話をお聞きしました。 

鼓童の印象と依頼の成り行き

―船橋さんが新衣裳を堂本さんに依頼したきっかけを教えてください。

船橋：主たる衣裳は半纏としながら「半纏ではない衣裳も作っていきたい」と思っていました。

ある時、Noismさんの舞台を鑑賞した時に金森さんに堂本さんを紹介していただけたんです。

―堂本さんは依頼を受けた時どう思われましたか？

堂本さん：依頼を受けてぱっと頭に浮かんだのが、月見寺とも呼ばれる本行寺にあった石碑にかかれている「ほつと月がある東京に来てゐる」という、種田山頭火の句です。

そうして、鼓童と言えばやはり太鼓。すごい運動量でダイナミックな動き方もできるほうがいいなと考えると「どこまでやったらいいんだろう」と考えながら、デザインと実用性の塩梅をみながらすすめました。

新衣裳のイメージ共有

―鼓童からはどんな要望を伝えたんですか？

船橋：まずミチカケや、衣裳の色は月と海のブルーな感じということ。そして、自分の中にあったイメージもお伝えしました。

デザイン面では、鱗文様の様な強い印象や意味を与えないもの、和風でも洋風でもないフラットであまり時代性もないようなもの、男女を超えてユニセックスなもの、半纏と同じ舞台に上がってもいい汎用性のあるもの。

仕様面ではフードを取り入れ、太鼓打ちの腕が見える様にノースリーブでお願いしました。さらに片側や両側出せたり、同じ衣裳だけど、トランスフォームできるようなバリエーションのある衣裳ができると嬉しいです！と、どんどん要望をお伝えしていきました。

堂本さんは、Noismさんの様な身体性を重視するカンパニーと仕事をされているので、信頼感はすごくありました。

―イメージもさながら、使いやすさも重視した依頼だったんですね

堂本さん：最初はコンセプトから静かな、雲の間の月の満ち欠けの様な間（はざま）のような抽象的なものを考えていて、染めてぼかす手法も考えていたんです。

でも、着数が多く、機能性が高く、乾きもいい、いろいろな要望を叶えられるものが必要でした。そこで、軽量化のため、時に省くこともしながら扱いやすい衣裳を目指し、最終的にあの生地を選んだんです。

フードをつけるとちょっと重くなったり、腰にかかってしまうので、当初はフードの大きさや、裏地に銀を入れるかなども悩みながらすすめました。

和の要素を取り入れるためにも、上半身は脱げて下半身は動かない仕様を着物から取り入れています。着物はよくできてるんです。それでも、試作品時は紐が多く「片肌脱ぎ」や、「諸肌脱ぎ」ができて、かつ動けるようにするのは大変でした。

理想の叶った衣裳完成

船橋：堂本さんは、「衣裳が邪魔しちゃいけない」と常におっしゃってくれました。一番最初のデッサンはある意味違和感がなかったのですが「もうちょっと自由にやっちゃってください」と伝えると、次に来たものがもう「これです！」という出来上がりでした。

完成品を着てみると、みんな「格好良い！動きやすい！ストレスもない」って嬉しそうに言ってくれて手ごたえも感じました。本当に素晴らしかったです。

堂本さん：稽古や舞台も見させてもらいながら1年ほどかけてじわじわできてきましたね。

船橋：堂本さんも舞台がお好きなので、いくつか最近の鼓童の作品を見ていただきながら「こうじゃない舞台になっていきます」ということをお伝えしてたんです。

堂本さん：舞台のお声掛けもすごく嬉しかったです。衣裳の色は決まってたんですが、衣裳の裏地に翻って見える銀色には、佐渡の風が舞うイメージを込めています。

船橋：私には、裏に見える銀のイメージが全然なかった。一緒に舞台を楽しみながら最前線のプロフェッショナルの方にお任せすることで私の要望や想像している以上の素晴らしいものが出来てくるのは一番嬉しいですね。

「こういうのがあるといいかもよ」「こういう着方もあるよ」とご提案もいただけて、想像力をかきたてられ、舞台の奥行きがさらに広がり、どんどん展開していくのも面白い作業でした。この色々な制約の中で本当にここまでやっていただけて嬉しいです。

―理想の衣裳での舞台はどうでしたか

堂本さん：初めてミチカケを見せていただいたときは「すごく活用されているな」と思いました。特にフードは表情を消すから、影にもなる。ミチカケ、いい作品ですね。宇宙にいるような、曼荼羅の様な。

船橋：ありがとうございます。今回の様に、自然や宇宙のといった世界観の中で人間の感情的な部分を消したい場面もフードによって効果的に作用し、メンバーがその音の世界にさらに入り込むのにも役立っています。

今の鼓童はもちろん、老若男女いるうちのみんなが着られる新衣裳。ミチカケ以降も、着ていきたいです。

舞台・衣裳撮影: 岡本隆史

■堂本教子プロフィール■

コンテンポラリーダンス、舞踏、演劇、歌舞伎、オペラなどの衣裳デザイン製作。1999年と 2003年には、チェコ・プラハ カドリエンナーレ国際舞台美術展出展。2000年、文化庁芸術家在外研修として、バットシェバ舞踊団の衣裳デザイナーRakefet Levy に師事。99年伊藤熹朔賞奨励賞、第36回橘秋子賞 舞台クリエイティブ賞受賞。

■船橋裕一郎プロフィール■

太鼓芸能集団 鼓童 代表。考古学を専攻していた学生時代に太鼓に出会う。1998年に研修所入所。2001年よりメンバーとして舞台に参加、太鼓、鳴り物、唄などを担当する。これまでに「BURNING」などの作曲も手掛け、近年は「道」「鼓」「童」など「ワン・アース・ツアーはじめ2021年オーチャードで開催された「鼓童40周年記念公演」、2022年新作「ミチカケ」で演出を担当。また、読書やプロレス、寄席や宝塚鑑賞など様々な趣味を持つ。柔らかな口調と人情味溢れる人柄でメンバーの頼れる相談役である。2012年より副代表、2016年1月より代表に就任し、グループを率いている。

鼓童「ミチカケ」

日程

• 2022.11.23（水） 14:00　新潟県佐渡市　アミューズメント佐渡　大ホール
• 2022.11.26（土） 〜2022.11.27（日） 14:00　新潟県新潟市　新潟県民会館 大ホール
• 2022.11.28（月） 18:30　宮城県仙台市　トークネットホール仙台（仙台市民会館）大ホール
• 2022.11.30（水） 18:30　広島県広島市　上野学園ホール（広島県立文化芸術ホール）
• 2022.12.03（土） 〜2022.12.04（日） 13:00　京都府京都市　京都芸術劇場 春秋座
• 2022.12.09（金） 18:30　愛知県名古屋市　名古屋市公会堂
• 2022.12.11（日） 14:00　香川県観音寺市　ハイスタッフホール（観音寺市民会館）大ホール
• 2022.12.13（火） 18:30　東京都荒川区　サンパール荒川 大ホール
• 2022.12.15（木） 18:30　埼玉県さいたま市　埼玉会館　大ホール
• 2022.12.16（金） 18:30　千葉県千葉市　千葉市民会館　大ホール
• 2022.12.18（日） 16:00　東京都世田谷区　昭和女子大学 人見記念講堂

]]> https://www.kodo.or.jp/kodo_blog/feature/41797 Thu, 24 Nov 2022 06:00:08 +0000 https://www.kodo.or.jp/?p=41797 80分があっという間に終わる、太鼓で切り開いた新世界

鼓童「ミチカケ」2022/11/23 佐渡初演レポート（文・坂本実紀/写真・岡本隆史）

鼓童の全新作、新衣装でつくられた舞台「ミチカケ」。立体音響作品という全く未知な舞台は、「知らないのに、なんか知ってる」と錯覚を覚えるような不思議な場面がいくつもありました。

初演となる佐渡公演当日、ホールのロビーは開場前にすでにたくさんの人でいっぱい。熱気と期待に溢れていました。入場口の列は長く伸び、開場後は席がどんどん埋まっていきます。

幕が上がると、音の流れの中でイメージが浮かんできます。雨や風、灰色の重たい雲の動く音。舞台上で、時に頭の中で、様々なめくるめく景色の展開。日常から切り離された圧倒的世界観への招待に、会場全体が緊張感で包まれました。

曲がすすんでいくと、圧巻の太鼓パフォーマンスに曲中も拍手が贈られ、そのリズムや動きに観客は釘付けに。そんな展開に、演奏者のギアがさらにあがるのを肌で感じるのも興味深かったです。

きいたことのない音や、衣装で表現される陰影と肉体美、リズムを飛び越えた周期感という表現。鼓童の新しい姿や表現、世界観は、まるで木から伸びた枝葉のように自由に広がっていきます。同時に、まがうことなき鼓童の濃いDNAが根本にあることを思い知らされる舞台でもありました。

太鼓からこの音がするの？という発見や、太鼓演奏のイメージしかない演奏者も参加する笛の重奏は圧巻かつ新鮮です。吊るされたドラはやわらかで遠くまで広がる音を響かせ、時として太陽や月のメタファーとして想像をかきたてます。照明の効果で手が浮かんで見え、衣装のフードが表情を隠して不気味さと得体の知れなさを加速させる。コミカルな曲では、演奏者が音に操られているように動き、つい口元が緩んでいました。

コンセプトに統一感があることで、どんどん新しい鼓童の世界に引き込まれ、80分があっという間に過ぎ去りました。最初、まばらだった拍手が、会場全体で大きくなるのと同時に、演奏者と観客の気持ちが一緒に高まっていきます。

音が星の様にゆっくりと流れ、風の様に回転し、強い渦になってぱっと消え、時に跳ね、楽しそうに遊び、羽ばたいていく。最後は、太鼓も音も、まるで生き物のように大声で吠え、まるで掴みかかってくるようでした。私にも、見えないはずの音が見える。なるほど、これが音の立体作品かと、舞台の後も興奮が冷めません。

コロナ禍ということもあり、ずっと画面の中の鼓童を追う日々でした。でも、全身で受ける太鼓の音の波、汗の見える距離で演奏者のだすヒリヒリした一打を目の当たりにし、一緒に見ている観客と胸いっぱいの同じ気持ちでする拍手は、やはり舞台の醍醐味です。

面白かったのは、鼓童が、観客の曲の「ここがピークかな」という期待をゆうに越えてくる熱量と超絶技巧を連発していたこと。観る者の「まだいくの！？」という感動と心の高まりが伝わっているのを、閉幕挨拶での演奏者たちの笑顔で確信しました。

まっさらな気持ちでも、鼓童の古参のファンでも、大満足できる舞台「ミチカケ」。難しいことは考えず「太鼓、すごい！」を分かち合うために、是非足を運んでみてください。